L’an dernier se tenait, au Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, la très belle exposition “Les Hollandais à Paris, 1789-1914”. Elle se proposait, en dressant le portrait de neuf peintres Hollandais passés par la capitale, de montrer la richesse – et la réciprocité – des échanges entre le monde de l’art parisien et celui de la Hollande.

Je me suis récemment plongée avec délices dans le catalogue de l’exposition. Après un texte rappelant comment Paris, au XIXème siècle, est devenue le centre du monde artistique et un autre sur l’importance des expositions universelles dans les échanges et l’émulation culturelle, on trouve neuf biographie d’une dizaine de pages chacune, exposant clairement les particularités des peintres exposés : Gérard van Spaendonck, Ary Scheffer, Johan Barthold Jongkind, Jacob Maris, Frederik Hendrik Kaemmerer, George Hendrik Breitner, Vincent Van Gogh, Kees van Dongen et Piet Mondrian.

Je vous propose aujourd’hui de découvrir succinctement, parmi ces neuf-là , mes deux peintres favoris : Gérard van Spaendonck (1746-1822) et George Hendrik Breitner (1857-1923). En espérant vous donner envie d’acquérir (ou vous faire offrir !) le catalogue de l’exposition (30 euros).

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Gérard van Spaendonck, “entre sciences et salon”

Je me permets de reprendre presque tel quel le titre du catalogue, que je trouve excellent.

C’est lui !

Gérard van Spaendonck naît en 1746 à Tilbourg ; c’est presque par malchance qu’il lui est permis de devenir peintre. Son père devient maire de Tilbourg en 1754, date à laquelle le prince Guillaume VIII se sépare de la ville.

Ce père appartient donc à l’élite locale et ses enfants sont supposés suivre un tout autre chemin que la vie d’artiste.

Cependant, la famille est catholique et, en 1762, le père de Gérard van Spaendonck est démis de ses fonctions : par décision du Conseil d’État, seuls les protestants peuvent occuper désormais une fonction publique.

Ce brusque changement de statut social laisse à Gérard la liberté de choisir les études et la carrière auxquelles il aspire.

Van Spaendonck arrive à Paris en 1769, après s’être formé à la peinture de natures mortes à Anvers. Aussitôt arrivé, van Spaendonck innove : il exerce son talent de miniaturiste sur des tabatières. Ces dernières sont habituellement décorées de portraits mais Gérard y peint ce qu’il a appris : des natures mortes de fleurs.

Ces petits objets délicats – dont la cour est friande – attirent rapidement l’attention de Claude-Henri Watelet, fermier général et homme de lettres. Il devient son protecteur, l’aidant financièrement et lui présentant d’autres commanditaires. Watelet offre même au jeune peintre de s’installer dans son appartement du Louvre pour y travailler paisiblement.



Stipa uffraneius, aquarelle sur velin, 1784

Grâce à Watelet, Gérard van Spaendonck devient un artiste à succès : il est tellement sollicité qu’il doit refuser des commandes ! C’est toujours grâce à ce protecteur que Gérard rencontre le naturaliste Buffon, qui jouera le prochain rôle déterminant dans sa carrière.

Buffon est conquis par les talents du peintre hollandais. Il lui obtient en 1774 la charge de “peintre en migniature (sic)” à la cour du roi. Gérard van Spaendonck a pour mission de compléter la collection royale d’illustrations botaniques. Van Spaendonk est le premier à utiliser l’aquarelle plutôt que la gouache pour représenter les spécimens sur vélin. L’aquarelle permet en effet un rendu des couleurs plus nuancé, plus proche de la réalité.

En parallèle de ses fonctions officielles, Gérard van Spaendonck commence à peindre des natures mortes de grand format. Il rencontre un très grand succès critique et commercial : trois ans seulement après sa première exposition au Salon, il est reçu à l’Académie (1780). On loue la ressemblance et le détail de ses fleurs ; Diderot raconte que le jeune duc d’Enghien aurait demandé l’autorisation d’en emporter une chez lui. Aux yeux du public français, Gérard van Spaendonck s’inscrit dans la digne lignée des peintres du XVIIème siècle, l’âge d’or de la nature morte hollandaise.

Bouquet de fleurs dans un vase d’albâtre sur un entablement de marbre, 1781, 100 x 82 cm

Quel impact la Révolution française a-t-elle sur la carrière du peintre, si proche du pouvoir royal ? En dépit de sa proximité passée avec la cour, van Spaendonck est impliqué dans la réorganisation de la vie culturelle. Avec Jacques-Louis David, il contribue à donner forme à l’Institut de France, qui succède à l’Académie. Surtout, à partir de 1796, il dispense des cours de dessin au Museum d’histoire naturelle.

À la mort de van Spaendonk en 1822, on se souvient de lui essentiellement comme d’un excellent professeur de dessin. Sociable et diplomate, il attire la sympathie de ses confrères et de ses élèves. Plus important : il allie le sens de l’esthétique à l’observation scientifique des plantes. Ses dessins – et ceux de ses élèves – sont non seulement exacts mais également agréables à contempler. Parmi ses élèves, on retient encore aujourd’hui des noms célèbres, à commencer par celui de Pierre-Joseph Redouté à qui le musée de la vie romantique consacrait une exposition il y a quelques mois. Son rôle de mentor ne s’arrête pas aux murs du Jardin des Plantes. En dehors de son cours de dessin, Gérard van Spaendonk prodigue ses conseils aux jeunes artistes, immigrés néerlandais et flamands notamment.

Van Spaendonk se situe donc à la croisée des sciences et des arts : à la fois artiste, dessinateur botanique et professeur. Par ses tabatières, ses natures mortes “grands formats” et les modèles qu’il dessine pour la manufacture de Sèvres, il est un acteur essentiel de l’engouement pour les motifs floraux que connaît le XVIIIème siècle.

Vue de l’atelier de Jan Frans van Dael à la Sorbonne par Philip van Bree, 1816.

Celui de van Spaendonck, massivement fréquenté par des jeunes filles de bonnes familles dans l’attente de leur mariage, devait ressembler à celui-là.



George Hendrik Breitner, l’impressionniste hollandais

Autoportrait, George Hendrik Breitner, 1882.

George Hendrik Breitner naît en 1857 à Rotterdam. Bien qu’il ne soit pas issu d’une famille d’artistes, le jeune homme se forme à la peinture et au dessin ; en partie auprès de Charles Rochussen, en partie à l’académie des Beaux-Arts de La Haye (d’où il est renvoyé en 1880 pour cause d’attitude rebelle et d’absentéisme chronique). De son passage auprès de Charles Rochussen, que son goût porte vers les scènes de la vie militaire, Breitner conserve une passion pour la représentation des chevaux.

Après son renvoi de l’académie des Beaux-Arts, Breitner bénéficie du soutien financier de l’employeur de son père, un négociant en céréales. Il peut demeurer à La Haye et continuer de peindre. C’est là, en 1882, qu’il fait la connaissance de Vincent Van Gogh. Une admiration partagée pour les romans naturalistes de Zola, un intérêt commun pour les sujets tirés de la vie urbaine et populaire rapprochent les deux peintres – sans que cela semble mener à une véritable amitié. C’est à cette époque que Breitner délaisse peu à peu les scènes militaires et ses chers équidés pour se faire, selon ses propres termes, “peintre du peuple“.

Un an plus tard – en juillet 1883, à l’occasion d’une exposition organisée par Paul Duran-Ruel – des œuvres d’impressionnistes français sont montrées pour la première fois aux Pays-Bas. Il ne fait aucun doute que Breitner prend connaissance de ces tableaux : la même année, un critique d’art lui reproche “d’adopter la manière bâclée des impressionnistes”.

Toutefois, ce n’est pas cette découverte qui pousse le jeune peintre à réclamer à son mécène Van Stolk – l’employeur de son père, mentionné plus haut – le financement d’un séjour à Paris. En se faisant “peintre du peuple”, Breitner se confronte de plus en plus à la représentation des visages et des caractères. Il estime sa technique perfectible et c’est pour bénéficier d’un complément de formation dans “la peinture de figures” qu’il souhaite se rendre dans la capitale française. Toute sa vie, Breitner cherche à se perfectionner : même à son retour de Paris, en 1886, il suivra les cours de la Rijksakademie d’Amsterdam.

Le Cheval de Montmartre, George Hendrik Breitner, 1884

Danseuse, George Hendrik Breitner, 1884

Breitner obtient le financement du voyage et rejoint brièvement l’atelier de Cormon, un peintre qui n’a rien d’un impressionniste. Fréquente-t-il l’atelier avec assiduité ou se laisse-t-il aller aux errances et aux vagabondages, comme il le faisait à La Haye ? Cette deuxième hypothèse est plus certainement la bonne : on retrouve de cette époque (mai-décembre 1884) des carnets de croquis pleins de scènes de la vie quotidienne.

Ce séjour parisien permet également à Breitner de découvrir l’œuvre de Degas, dont l’influence sur le rotterdamois va être déterminante. C’est certainement dans la vitrine du marchand d’art Paul Durand-Ruel que Breitner aperçoit les tableaux d’Edgar Degas. D’abord, il est sans doute attiré par deux thèmes de prédilection de son aîné : les champs de courses et les jockeys. C’est pourtant celui de la danse que Breitner explore de retour en Hollande. Là-bas, il est même le seul peintre à traiter le sujet.

Baigneuse allongée sur le sol, Edgar Degas, 1885

Nu allongé, George Hendrik Breitner, 1888

Le petit déjeuner après le bain, Edgar Degas, 1894

Modèle rassemblant ses habits, George Hendrik Breitner, 1888

À son retour, Breitner est l’un des seuls peintres en Hollande – avec Isaac Israël – à revendiquer l’influence impressionniste, ce qui ne lui attire pas que des compliments. La critique lui reconnaît du talent mais déplore l’influence des peintres français – surtout celle de Manet – sur la facture de ses tableaux.

Olympia, Manet, 1863

Nu allongé, Breitner, vers 1890

En fin de compte, tant qu’il demeure dans la capitale française, l’art du Rotterdamois est encore très marqué par l’esthétique réaliste et sa volonté d’être le “peintre du peuple”. L’influence impressionniste se fait sentir sur l’œuvre de George Hendrik Breitner surtout après son départ de Paris. Il adopte alors deux thèmes : celui de la ballerine, encore inédit dans l’histoire de l’art hollandais, et celui du nu, qu’il traite toutefois de façon très différente de ses confrères français. Ainsi, les nus de Breitner sont-ils plus crus et leur palette plus sombre, plus proche de celle de Rembrandt.