Vivemos em um momento onde os aplicativos de música são um dos temas de maior debate em qualquer site de tecnologia, e o TudoCelular não poderia ficar fora dessa. A ideia por trás deste texto é entender a origem e problematizar algumas das principais características da indústria fonográfica, dos tempos do vinil as canções em formato digital. Para tal escolhemos como foco de nosso texto as contradições e desafios do mais recente expoente dessa indústria: os serviços de streaming. O que eles representam em relação a este mercado que diminui todos os anos, será ele um aliado ou um adversário das gravadoras? O que pode significar do ponto de vista social, abrir mão da propriedade de uma música em troca de uma ferramenta de acesso temporário? Queremos discutir como ficam os artistas e o público neste novo território digital, e entender se as coisas melhoraram ou pioraram com o passar dos anos. Mais importante do que discutir se o Spotify é melhor que o Deezer, ou se o Tidal realmente representa a classe artística, queremos tecer um quadro geral sobre esta indústria como um todo e os problemas que ela enfrenta nos dias de hoje. Uma rápida passagem pelo século XX A indústria fonográfica é uma criatura única e interessante. Criada no final do século XIX quando finalmente desenvolvemos a tecnologia de gravar músicas ela logo se tornou sintomática das contradições de nossa sociedade. No lugar de enriquecer os artistas, foram formadas grandes gravadoras, a sua maioria oriunda de empresas poderosas de outros ramos do mercado, e o que vemos desde então é uma indústria em constante transformação. Antes da internet, o problema enfrentado pelos músicos iniciantes é que suas composições nunca chegavam às rádios. A programação era dominada por hits pagos pelas gravadoras, o famoso “jabá”. Desta maneira, havia poucos espaços que não fossem apresentações ao vivo, aonde um grupo de música sem gravadora poderia expor a sua arte. As décadas de oitenta e noventa viram o auge dessa política, com a adição da MTV ao longo das rádios como local para divulgar as músicas das gravadoras.

A maior parte das grandes estrelas dessa época, mesmo fora da música pop, eram produzidas em estúdio, e muitas vezes seu sucesso já era quase certo antes mesmo do lançamento de seus discos, uma vez que as rádios e a TV fariam sua parte em tocá-las incessantemente. Não que todos estes artistas fossem criações artificiais da indústria, mas eles quase sempre eram produzidos por grandes nomes que visavam encaixá-los em determinados nichos do mercado. Certamente havia alguns movimentos de resistência, e muita coisa boa que era produzida por movimentos mais independentes ou estilos menos atrelados ao marketing que as grandes gravadoras desejavam. No Brasil podemos citar centenas de artistas e movimentos que resistiram a essa tendência, como o festival FreeJazz no Rio de Janeiro e em São Paulo e até mesmo Lobão, que na época lutava contra a política do jabá e lançava seus discos nas bancas de jornais. A exceção mais marcante neste momento pode ter sido o Nirvana no início da década de noventa. Os garotos se tornaram subitamente uma das mais importantes bandas de sua época, mas a absorção do grunge pelo mercado, transformando-o em um gênero de consumo de massas parece ter sido sintomático para o suicídio de Kurt Cobain, visto como um líder desta geração inconformada. A ilusão da escolha Em 1987, no livro chamado “The Recording Angel” o analista da indústria Evan Eisenberg dizia que o ouvinte de música era um “subproduto da era do supermercado”. O texto falava sobre as implicações sociais da transformação da música em um item do mercado de consumo. Para Eisenberg, o surgimento de super fãs e “groupies” estava intimamente ligado a ideia de uma sociedade que vivia na época do shopping onde a “auto-expressão consistia inteiramente entre a escolha do pacote de consumo que outra pessoa desenhava para você. Este tipo de liberdade era absolutamente tirânica”.

A compartimentação da música em bibliotecas de faixas, gêneros e playlists criou a necessidade de se criar soluções tecnológicas para a tirania da escolha, tudo para aliviar o pequeno estresse que é se decidir o que ouvir dentro um campo de possibilidades quase infinitas. Se na década de oitenta isso era feito pelos programas de rádio, pelas televisões, e pelas jukebox dos bares (que já eram programadas com os hits do momento), hoje em dia nós temos os algoritmos, que são respostas mais complexas e pessoais a este mesmo dilema. Uma coisa que nunca mudou, e que até hoje permanece sendo verdade é o fato de que os artistas ainda ganham muito pouco dinheiro com suas gravações. Se você não é a Madonna, mesmo sendo um artista de sucesso, mais de 90% da sua renda será oriunda dos seus shows. A década de noventa, o renascimento da pirataria O CD como principal meio da produção de música, durou muito pouco tempo. Se o LP (Long Play Disc) produzido em vinil não só continua sendo produzido até hoje, mas foi a principal plataforma de consumo musical a partir da década de 40, os dez anos de hegemonia do CD não parecem muita coisa quando comparados. Claro que, por seu preço e facilidade de produção, o CD alcançou lugares e proporções nunca antes antecipadas por outros meios. Criando um mercado de consumo pirata muito mais forte.

Antes do CD, a pirataria musical se concentrava toda na Fita Cassete, um formato consideravelmente pior, mais caro de produzir, menos prático de carregar e etc. Esta prática se intensificou bastante com a era do CD alcançando cada esquina das principais metrópoles do mundo, mesmo com toda esta força, assim como toda a indústria fonográfica a mídia física acabou perdendo diante da internet. É possível ver uma excelente imagem sobre estas e outras tendências do mercado (assim como a reascensão do vinil nos últimos anos) neste interessante gráfico. A maior revolução no mundo da música nas últimas décadas não veio de um artista, e sim do Napster, o primeiro programa p2p realmente simples e popular. A partir dele todas as pessoas que estavam interessadas em ouvir música podiam trocar seus arquivos, no que pode ser considerada a primeira grande porrada no modelo vigente da indústria fonográfica. Em pouco tempo as grandes gravadoras se juntaram para destruir o Napster, mas o estrago já havia sido feito, as pessoas entenderam que a internet era o melhor espaço para se compartilhar música que jamais fora criado. Os anos 2000 e o domínio da internet Depois que as porteiras da internet foram abertas pelo Napster elas nunca mais fecharam, e aos poucos vários artistas foram percebendo que a rede era uma ótima forma de se ganhar dinheiro com suas músicas sem precisar envolver gravadoras. Os anos 2000 viram o florescimento de uma cena musical muito mais diversa e com muito menos fronteiras do que jamais foi possível anteriormente na história. Bandas brasileiras de novos estilos como synthpop tinham músicas que iam parar nas pistas de dança de Berlim, o choro e o samba começaram a ver um ressurgimento nas mãos de artistas mais recentes que agora tinham chance de gravar e ser ouvidos, as rádios de internet não apresentavam os mesmos limites de suas antecessoras e o mundo parecia estar caminhando para uma realidade muito mais diversa e plural do que a que existia nos anos 90.

Apesar de tudo isso, o Napster e seus semelhantes apresentavam um problema. De acordo com Brian Whitman, doutor em Artes e Ciências da Mídia pelo MIT, “o programa foi um ponto de virada para o acesso a música, mas possivelmente foi um passo para trás no que concerne o descobrimento de novas canções.” De fato, a capacidade de busca em programas p2p é muito limitada e existem poucas opções além do nome de artistas, faixas, álbuns, ou vascular o HD de outra pessoa. “Eu colocava minhas músicas a disposição destes programas, mas é claro que ninguém as baixava, já que ninguém saberia o que procurar”. Esta é claro, uma afirmação polêmica, muitas pessoas descobriram muita coisa nessa época do “compartilhamento selvagem” na internet, embora ele esteja certo que estes programas não tivessem estímulos oficiais para que seus usuários conhecessem coisas novas. Na contramão da inovação, as grandes gravadoras, e alguns poucos artistas como o Metallica, tentavam lutar em vão contra a roda da história, mas o modelo que estes ofereciam já tinha fracassado a muito tempo. A indústria da música como um “grande negócio” diminuiu, e poucas das “grandes gravadoras” sobreviveram a época. Outros artistas de nome abraçaram os novos tempos, como o Radiohead, que lançou seu cd gratuitamente na rede, e as pessoas podiam optar por pagar o quanto elas achavam que valia. A empresa que melhor conseguiu explorar este novo mercado, foi justamente a Apple, que com seu iTunes oferecia um serviço barato, rápido e moderno, que estava de acordo com os paradigmas daquele momento. Na loja virtual de música, as canções eram vendidas por um dólar e todo tipo de autor estava presente, grande astros da música tinham seu repertório colocado lado a lado com gravações caseiras, era uma alternativa barata e inteligente diante da pirataria, uma forma genuína de contribuir com seu artista preferido sem ter que gastar rios de dinheiro. Apesar disso, em paralelo com a popularidade do iTunes, uma boa parte das pessoas ainda se valiam de programas p2p, como o Soulseek, ou sites de torrent para baixar suas canções. Outro serviço que acabou se destacando pela gratuidade, como uma das principais ferramentas para se ouvir música online foi justamente o YouTube, que na época era pouco regularizado, e dava espaço para todo tipo de disco. Na verdade, até hoje, o YouTube mantém o posto de serviço de streaming mais utilizado por quem quer ouvir música.

A chegada do Spotify e seus semelhantes No final da década, espaços como o tocador de vídeo da Google, rádios online, redes sociais como o Last.FM, tinham em comum duas coisas. Eles operavam por streaming e mais do que nunca começavam a corresponder pela maior fatia de ouvintes do mercado. Nessa mesma época surgia o Spotify, o mais bem sucedido aplicativo para streaming musical de todos os tempos. Um formato simples e prático para os usuários, uma curadoria cuidadosa, e uma opção gratuita para uma geração pouco acostumada a pagar por música, o Spotify incendiou as barreiras da indústria e lidera agora uma iniciativa que parece ter de tudo para se tornar o futuro desta mídia. É impossível desvincular a criatura de seu criador, e o Spotify foi criado por Daniel Ek, o sueco que também era responsável pelo uTorrent, um dos maiores programas desta área no mundo, e um fervoroso apoiador do PirateBay. O Spotify foi criado como uma tentativa de Ek de responder a uma demanda de criar uma plataforma legítima que compensasse os artistas, mas que ainda fosse gratuita e possuísse um repertório quase tão infinito quanto seu programa de torrent era capaz de dar para seus usuários. Quem deu o golpe final para que o Spotify saísse dos países nórdicos e tomasse o mundo como plataforma universal de música foi ninguém menos que Sean Parker, o criador do Napster, que viu um potencial imenso na ideia do serviço e decidiu financiá-lo. No fim das contas, algumas das maiores mentes por trás da “pirataria” do início da década de 2000 foram justamente os que trouxeram uma solução mais legítima para a indústria da música. Não podemos esquecer de falar do Grooveshark, que por dez anos serviu como laboratório para muitos destes serviços de streaming, ainda que estivesse mais atrelado a uma lógica de consumo que não se preocupava com direitos autorais. Finalmente, em 2015, um julgamento foi iniciado contra a empresa, resultando em uma multa no valor de US$ 736 milhões. O caso acabou resultando no encerramento do serviço em um momento onde o próprio serviço lutava para se legitimar, fazendo acordo com gravadoras e pagando as devidas licenças.

O que vemos hoje é um crescimento real do streaming de música em detrimento de outros meios. No ano de 2013, por exemplo, o número de pessoas que compra música por meios físicos (CD, LP e etc) caiu em quase 13%, o número de compras em serviços como o iTunes diminuiu em quase 7%, já o número de usuários dispostos a assinar um serviço pago de streaming de música cresceu em 57% (pesquisa publicada no início de 2014 pela RIAA, Recording Industry Association of America). Os problemas da escolha: curadoria e algoritmos Se a música nas décadas de 80 e 90 já era considerada por muitos especialistas um mercado de consumo de massas onde o público possuía pouca liberdade de escolha, o que mudou nos dias de hoje? Será que os serviços de streaming, curadoria de playlist e sugestão de canções direcionadas pelo seu aplicativo são realmente melhores para você do que as opções anteriores? Uma chave importante para este quebra-cabeça é a existência do Echo Nest. Ainda que não seja um nome conhecido pelos ouvintes, esta “plataforma inteligente de música” foi a base para a criação de diversas coisas como Rdio, Vevo, iHeartRadio, Spotify Radio e quase todos os serviços de streamings de música. A empresa de 2005 foi recentemente comprada pelo Spotify, e ela é responsável pelo que existe de mais avançado em criar perfis musicais. Segundo o seu site, a Echo atualmente diz ter catalogado mais de um trilhão de dados sobre 35 milhões de músicas compostas por 2.6 milhões de artistas. Tudo isso em uma década de monitoramento preciso do gosto musical de usuários em centenas de serviços diferentes de internet que utilizam a Echo como cérebro motor.

Nos últimos anos, uma das coisas que foi aperfeiçoada pela empresa foi a capacidade das plataformas artificiais de ouvirem música, popularizada por aplicativos como o Shazam (que é criação da empresa). As canções são escaneadas pelo computador e destrinchadas em dezenas de fatores diferentes criados por musicólogos especializados e comparados uns aos outros em um universo de mais de 30 milhões de faixas. Os computadores conseguem hoje determinar de forma automática pequenas nuances em gêneros muito específicos. Uma máquina hoje é capaz de ouvir a versão de Clara Nunes de “a Deusa dos Orixás” e dizer que se trata de um afrosamba setentista, no lugar de classificar apenas como samba, ou cometer um erro de subgênero como dizer que se trata de um samba de gafieira. Uma máquina para fazer escolhas O Echo Nest potencializou a capacidade da curadoria automatizada através deste tipo de recurso, que vale dizer, vai além da análise da canção em si. O algoritmo varre a internet em busca de toda e qualquer referência sobre a canção, que tipo de blog comenta sobre ela, o que é falado, quem compartilha esta música no Facebook compartilha mais o que, página na Wikipedia, resenha do disco e muito mais, são milhões de dados distintos para cada canção registrada pela plataforma, tudo isso visando a capacidade de aperfeiçoar o ouvido de seu computador. O criador da Echo, Brian Whitman, diz que sua plataforma tem um apetite infinito “se existe um artista novo, nós vamos ingeri-lo e aprender tudo que existe sobre ele”. Este consumo conspícuo nos levou a criar novas formas de se pensar no desenvolvimento das plataformas de streaming. “Quando você digita sua primeira música em um serviço de streaming, e escolhe um rock indie no lugar de uma faixa de música clássica, isso já nos diz muito sobre a sua pessoa”, diz Whitman. Quanto mais uma pessoa interage com uma plataforma que utiliza a Echo Nest, mas o seu gosto pode ser identificado pelo algoritmo da empresa, que passa a ter a chance real de te apresentar coisas que você desconhece mais que realmente vai gostar.

“Nós não vemos apenas que você gostou de uma música, nós a conhecemos profundamente. Não é apenas um título, sabemos o seu tom, seus acordes, seu ritmo, seus instrumentos e muito mais. Em cada música também é considerado seus fatores sócio culturais, ano de composição, características do artista (sabemos que a Rihanna é considerada sexy, ou que ela é casada com Jay Z) e muito mais”, afirma Whithman. Desta maneira, quanto mais você interage com a plataforma, indicando que gostou ou não de determinada música, melhor ela te conhece e identifica suas predileções. Tantas coisas diferentes do que se pensava foram descobertas pela Echo sobre o consumo de música. Um bom exemplo de um desenvolvimento surpreendente foi que a distância entre as opções preferenciais de determinadas classes sociais são muito próximas, a playlist de uma menina rica tradicional tem quase 90% de coincidência com uma menina nascida em condições de pobreza na mesma região. No seu livro “Um jornada para o fim do gosto” de 2007, o crítico musical Carl Wilson determinou que em uma “mídia super mediada, a produção de cultura de massas compartilha uma série de pontos em comum entre todas as classes”. O termo onívoro musical passou a ser utilizado pelos especialistas para determinar o novo modelo do público ouvinte. Para Carl a diversidade do que é escutado ainda é o principal sintoma de pessoas com clara educação musical, o que muitas vezes, mas nem sempre, está ligado a classes mais abastadas. É possível ser original? Um dos maiores medos das pessoas diante desta nova realidade é a limitação dos ouvintes. Será que estes sistemas baseados inteiramente em algoritmos não acabariam produzindo pessoas que no fim, ouvem apenas as mesmas faixas, dos mesmos artistas sempre, em um ciclo auto-referencial pouco sadio?

A resposta é que isso vai depender do indivíduo. Você sempre pode escolher ser mais aventureiro na sua seleção de músicas nestes serviços de rádio online, ou mesmo no Spotify. Muitas playlist feitas por curadores profissionais de diferentes estilos estão disponíveis para você experimentar e qualquer reação positiva a uma coisa nova vai te ajudar a conhecer coisas que você nunca seria capaz de sonhar antes. Por essa razão, acho que podemos afirmar que, se estes serviços serão sim muito capazes de te mostrar novos mundos no mundo da música se você estiver disposto a se aventurar. Claro que para tal suas bases de dados, como a Echo Nest, deveram ser mobilizadas tão somente por algoritmos de classificação de músicas e pela sua atuação como ouvinte. Algumas pessoas temem que estes algoritmos sejam ligados as grandes gravadoras, tentando de certa forma perpetuar o que era feito com a rádio e com TV nas décadas anteriores. Em relação a isso, a Echo se diz comprometida com a musicologia, e determinada a não deixar que a indústria interfira com a neutralidade da sua plataforma. O preço do sucesso Apesar das incríveis qualidades do Spotify e serviços similares, Daniel Ek e Sean Parker não puderam levar a sua plataforma para o resto do mundo sem pagar um preço alto. Se o Napster não conseguiu fechar um acordo com as grandes gravadoras na década de noventa e teve que ser fechado, o Spotify precisou se render aos caprichos destas empresas, que juntas são donas de pouco mais de 80% de todas as músicas gravadas no mundo. A solução foi muito dolorosa para Daniel EK que teve de vender 20% de sua startup para as três grandes gravadoras do mundo. Para muitos artistas, este foi o maior erro do serviço. “As grandes gravadoras foram capazes de criar um novo modelo de negócio sem explicar exatamente aos seus artistas como funcionaria a renumeração deles”, diz Casey Rae, advogado de alguns músicos que se sentiram prejudicados e diretor executivo da “Coalizão pelo Futuro da Música”, organização sem fins lucrativos sobre direitos dos artistas e preservação digital.

Para ele o problema principal é o monopólio do mercado, “hoje, restaram apenas três grandes gravadoras no mercado, que cooperam entre si e são coproprietárias do Spotify, então não é nem imaginável como um competidor real conseguirá quebrar a liderança deles neste mercado. Qualquer competidor teria que ter um investimento massivo para se aproximar do que o Spotify oferece hoje.” No início, as gravadoras viam o Spotify como uma ameaça bizarra oriunda dos estados “socialistas” do norte, onde as leis de propriedade intelectual e material são muito mais flexíveis. O Spotify era um produto local e menor, e conseguiu acertar um preço com as gravadoras que era muito menor que os 70% do lucro bancado pelo iTunes. As empresas estadunidenses aceitaram o acordo inicial porque temiam ficar de fora de uma plataforma popular. O distanciamento do Spotify Apesar de tudo, a origem do Spotify em softwares de p2p, com um grande catálogo, uma interface que funciona sob demanda e de forma absolutamente gratuita, em muito pouco tempo se provou a maior ameaça as convenções da indústria, e por essa razão precisava ser adquirido de alguma forma pelas gravadoras gigantes. O mais estranho é que, como o TudoCelular já deixou claro, o serviço simplesmente não dá lucro. O seu valor alto é baseado no mercado especulativo do quanto os investidores acham que a empresa terá sucesso com seu modelo de negócios, mas a realidade do dia-a-dia é outra. Ainda que seu CEO esteja rico, os ganhos do Spotify nunca foram capazes de pagar seus custos, como marketing, funcionários, licenças e pagamento de royalties aos artistas, o que significa que, quanto mais o negócio cresce mais ele perde dinheiro.

Isto tudo poderia ser resolvido se Daniel Ek, acabasse com a parte gratuita do serviço e ficassem apenas com os usuários pagos (como parece ser a tendência de todos os outros concorrentes), mas o CEO já deixou claro que isso não vai acontecer e que a gratuidade é “o coração do Spotify”. O maior problema ainda parece ser a falta de clareza que as gravadoras têm com seus artistas. Taylor Swift, a artista mais bem sucedida dos últimos três anos no mercado de vendas diretas, disse que retirou suas músicas do serviço porque eles não pagavam o suficiente. Segundo o Spotify, durante o tempo em que Taylor estava no catálogo do serviço ela ganhou 6 milhões de dólares por mês em royalties. O valor parece alto, mas Taylor alega que outras mídias, como o iTunes e a venda de CDs lhe pagam 14 milhões de dólares por semana, e por isso, ela optou por ficar de fora de plataformas de streaming. O que nos leva as iniciativa como o Tidal, que podem com justiça por um pagamento melhor para os artistas, mas que tem como demérito ser capitaneado justamente pelos maiores milionários da indústria. O que gera uma situação muito estranha, a maioria das bandas iniciantes parece ver o Spotify de forma muito positiva, incluindo em termos de pagamento. O novo sistema parece apenas incomodar os mais ricos que percebem uma perda de alguns milhões de dólares em relação ao antigo modelo. Combatendo o obscurantismo Para tentar remediar este problema o Spotify lançou um site ano passado mostrando com transparência todos os seus números pertinentes a questão de licenciamento e royalties, explicando de uma vez por todas quanto era possível se ganhar com o serviço, quanto ele pagava e com a indicação de vários preços relativos (uma micro-gravadora, com três bandas independentes de Rock em Nova York e 200 faixas no serviço, confirmou receber uma média de 3600 dólares por mês).

O site já é uma ajuda, ainda que a não-divulgação dos nomes dos artistas citados na tabela de remuneração, aliados ao pagamento ter que ser repassado das grandes gravadoras aos artistas, torna o processo ainda um tanto obscuro e incomodo para vários artistas. A verdade é que o Spotify não tem um modelo que favorece artistas como a Taylor Swift, muito pelo contrário, ele foi construído de uma forma que gera renda contínua e aos poucos sobre um imenso catálogo de produções do artista. Nesse sentido, a maioria do público gera mais renda para artistas que hoje em dia vendem poucos discos, mas são muito consumidos no dia a dia. Nomes grandes de outras décadas, ou grupos especialmente populares em certos nichos restritos. Para Swanson, diretor da pequena gravadora indie nova iorquina “eu estou convencido que o catálogo da Drag City é o tipo de coisa que seus fãs ficam ouvindo o tempo todo. É certo que nomes como o Smog vão ganhar muito mias dinheiro em dez anos com serviços de streaming do que em vendas diretas de CDs”. A lógica econômica do Spotify e seus irmãos parece favorecer playlists de rock clássico, jazz, e outros estilos com nomes que se repetem há décadas, o mesmo não pode ser dito para os grandes artistas de pop e hip-hop do momento. O formato ainda é muito novo para chegarmos a uma conclusão tão precisa, mas como tudo que parece cercar estes serviços de streaming, as contradições são grandes e múltiplas. Apenas mais tempo de mercado vai responder verdadeiramente se o formato é realmente mais benéfico para as bandas pequenas.

Por fim, outro problema que parece assombrar certos artistas é a nova relação que o público desenvolve com os álbuns lançados. Antigamente, comprar um vinil ou um CD de uma banda mais desconhecida era quase um investimento. Você desenvolvia uma relação mais forte e especial com aquele material. Quando o padrão se tornou o MP3, parte dessa relação já havia sido perdida pela intangibilidade desta mídia. Apesar disso, você ainda andava por aí com seu iPod ou celular com os seus arquivos de música. O streaming destrói a ideia de propriedade sobre as suas músicas e a substitui pela ideia de acesso, que é uma relação muito mais superficial. Mais uma vez, o impacto causado por esse tipo de mudança, ainda não pode ser profundamente compreendido por nós. O que falta aos serviços de Streaming O TudoCelular já mostrou em uma matéria que mais da metade da população do Brasil não sabe o que é ou como funciona os serviços de música por streaming. Além deste problema, temos ainda outras questões. Alguns especialistas, como Mark Mulligan em entrevista ao The Guardian afirmam que o principal problema com a maioria dos serviços é o preço. A média mundial de gasto com música por mês é bem menor do que 15 reais. Preços mais baixos para o serviço completo resultariam em uma adesão muito mais numerosa de acordo com o especialista. As grandes gravadoras tem medo de passar da sua linha base de um CD custar 10 dólares. Este parece ser o limite de preço destes grupos. Sabemos hoje que o mercado que mais perde espaço para o streaming é justamente as vendas de músicas digitais, e um barateamento desses apps poderia ajudar estas mídias a finalmente superarem meios de transmissão como o rádio.