Im Museum der bildenden Künste das Akkreditierungspaket inklusive des roten Jutebeutels abholen und sich vornehmen, beim nächsten Mal für den Pass einen möglichst absurden Schnappschuss als visuellen Identifikationsbeweis zu wählen. Danach den Programmplan überfliegen und hastig einen Ablauf der nächsten Tage zu erstellen, der interessante Filme mit einem guten Zeitmanagement verbindet. Fünf Karten pro Tag dürfen geholt werden, fünf hole ich. Der Snowdenfilm ist da schon längst ausverkauft.

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#Harvest (Frankreich, 2014)

Jährlich trifft sich ein bunter Haufen unterschiedlichster Typen zur Weinernte in Toulouse.

Bunt ist hier nicht viel, unterschiedlich wenig. Eher ein Haufen von nichts. Denn dem Film gelingt kaum etwas. Weder stellt er Spannung her, noch hat er Wissenswertes über die Weinernte zu berichten oder begeistert sich für ein besonderes ästhetisches Konzept. Lieber stellt er wahllos Gesprächsfetzen nebeneinander und glaubt, dadurch etwas über seine Figuren zu erzählen. So gibt #Harvest nur bruchstückhaft deren Geschichten preis, viel zu wenig allerdings, um ihnen damit näher kommen zu können. Am Ende geradezu mit null Erkenntnis den Wintergarten im Passagekino verlassen. Außer: Männer mit Zöpfen sollten niemals in Filmen mit Untertiteln in der Reihe vor einem sitzen dürfen.

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Durch die Höfe am Brühl schlendern und endlich verstehen, warum dieser Ort der perfekte Schauplatz einer postapokalyptischen Konsumdystopie wäre: da ist also Leipzig, sogar die Innenstadt (an deren Historie mit gigantischem Banner gerade erinnert wird) und jemand beschließt dennoch, dass dieser öffentliche Raum keinem Anspruch genügt, weshalb dieser Mensch – nennen wir ihn verallgemeinernd Investor – denkt, er müsse einen Ort schaffen, der sich offenkundig feindlich gegen dieses Außen abschirmen sollte, einen Ort, in dem der Investor verfügen kann, welche Farben die Sitzbänke haben sollten und wie groß Papierkörbe maximal sein könnten.

Ein Ort im Ort wird geschaffen, um maximale Kontrolle erlangen zu können. Und maximale Kontrolle bedeutet verständlicherweise maximalen Ertrag. All die gegrillte Biohähnchen und veganen Frozen-Yogurth-Toppings sind nur schwache Tröste dagegen. Dennoch etwas gekauft in diesen Höfen, was sich letztlich erstaunlich clean angefühlt hat.

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#FEMMEfille (Deutschland 2014)



Der Weg des magersüchtigen Models Isabelle Caro in den Tod.

Dieses Bild von Isabelle Caro kennt vermutlich jeder. Vermutlich jeder wird dazu eine Meinung haben, vermutlich eine ähnliche. Caros Geschichte hören und sehen zu können, gibt viele Antworten und wirft noch mehr Fragen auf. Lauter Widersprüche, die auch den Zuschauer direkt betreffen, weil er sich fragen muss, warum schaut er überhaupt in dieses Gesicht, in das all das Leiden eingezeichnet ist? Warum beobachtet er eine Frau, die gegen eine Krankheit kämpfte, sich aber trotzdem ständig ausstellte und damit angreifbar machte?

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So wird die Anmoderation eines jeden Films beendet: Gute Projektion.

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#The Term (Russland, Estland)

Insiderblick auf die Köpfe der Anti-Putin-Opposition, von ganz links bis weit rechts, Intellektuelle, Promis und Politiker.

Die Geschichte des oppositionellen Russlands der letzten Jahre im Zeitraffer: Nawalny, Jaschin, Pussy Riot. Permanente Adrenalinstöße, weil die Kamera immer direkt vor dem Schlagstock und neben dem Megaphon ist. Der Staat tritt allein als anonymer Polizstenblock auf, der die Demonstranten über die Straßen schleift und in vergitterten Wagen abtransportiert.

Dieser atem- und distanzlose, kluge Zusammenschnitt ist dann am stärksten, wenn er die Protagonisten (ver)zweifeln lässt. Einer bemüht ein Boxgleichnis: Immer wieder die Schläge abwehren, bis der Gegner müde wird und die Deckung sinken lässt. Und dann zuschlagen. Doch einige wollen nicht so lange warten, andere haben die Kraft dafür nicht. Putin taucht in den inszenierten Clips als Führungsfigur für Kraniche oder Angler eines Riesenfischs auf. Und dann die Szene, in der die Tochter der Pussy-Riot-Sängerin Nadeschda Tolokonnikowa (die zu dieser Zeit im Gefängnis saß) ein Foto der maskierten Band sieht und sagt: „Da ist meine Mutter, aber ich weiß nicht, welche davon sie ist.“

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Dieses schlechte Gewissen, einen guten Film vor dem Ende verlassen zu müssen und dann auch noch durch eine Tür, die sich direkt unterhalb der Leinwand befindet und die, sobald sie geöffnet wird, eine Lichtschneise in den dunklen Kinosaal schlägt.

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#Hotel 22 (USA, Kurzfilm)

Ein Bus in San Francisco wird zum nächtlichen Refugium der Armen und Obdachlosen.

Weil eine Unterkunft zu teuer in Silicon Valley ist, kaufen vorwiegend alte, schwarze Männer eine Busfahrkarte und verbringen die Nacht fahrend im Schlaf. Dazu weist eine automatische, weibliche Computerstimme an: Kein Trinken, kein Essen, kein Rauchen. Irgendwann kommt der nächste Morgen. Sicherheitskräfte stellen sicher, dass die Schläfer ausgestiegen sind. Wie der Film zu einem Soundtrack von Radiohead.

#Double Happiness (Österreich)

Das pittoreske Hallstatt im Salzkammergut wird in China als Klon nachgebaut. Flotter Essay über Original und Kopie, Globalisierung, Identität und jodelnde Chinesinnen im Dirndl.

Wer unbemerkt ein Dorf kopieren und 1:1 viele tausend Kilometer entfernt errichten kann, dem ist alles zuzutrauen, sagt eine der Protagonisten. Oder anders gesehen: Die Zukunft ist längst da, die futuristischen Blade-Runner-Metropolen existieren schon. Orte wie Hallstatt sind die Vergangenheit. Ein Film über den Kampf, welche und vor allem wie Heimat bleiben wird.

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Neben dir der Mann trägt Kopfhörer, die er im Tausch für seinen Personalausweis erhalten hat. Die Stimme der Simultanübersetzerin summt leise die Dialoge mit.

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#Im Keller (Österreich)

Sex und Schießgewehr, Fitness und Faschismus, Peitschenhiebe und Puppe – was Menschen so in ihren Kellern treiben, in Österreich.

Am Anfang das Bild eines Kellers mit einem ewig langen Terrarium, sicher drei Meter lang, vielleicht einen Meter breit. Darin eine fünf Meter lange Boa, ein dicker, schwerer, ausladender Schlangenkörper. In einer Ecke gedrängt ein Meerschweinchen. Jeder weiß, was geschehen wird. Zentimeter für Zentimeter schiebt sich die Boa vor, näher hin zum Meerschweinchen, das scheinbar unbekümmert die Gefahr nicht wahrnimmt, sondern sich sogar auf die Schlange zubewegt. Plötzlich schießt die Boa wie erwartet vor, greift das Meerschweinchen, würgt es zu Tode. Der Kinosaal schreit auf. Doch nicht die Jagd der Schlange ist das Erschreckende. Sondern der Mensch, der während des gesamten Vorgangs im Halbdunkel sitzend jede Regung der Tiere genau verfolgt hat.

Im Keller also. Als Metapher dafür, was Menschen lustvoll im Verborgenen tun. Wenn die Protagonisten hinab in den Keller gehen und die Türen hinter sich schließen, will man eigentlich nicht wissen, was dahinter geschieht. Besonders wenn man die Kriterien kennt, nach denen „Hundstage“-Regisseur Ulrich Seidl seine Figuren üblicherweise auswählt. Denn bei Seidl wird jedes Gesicht zur Larve. Er sucht das Hässlichste im Menschen und findet es auch. Hier lässt er seine Protagonisten nicht nur in Messer laufen, sondern in Schwerter.

Danach wird im Publikum bang der Nachbar gefragt „Hast du auch lachen müssen?“. Jemand sagt „Die Hälfte von denen müsste man einsperren“, ein anderer „Nach der Hälfte fand ich’s unerträglich.“ Und tatsächlich: Nach diesem Film wird man erleuchtete Fenster im Kellergeschossen nur mehr mit den allergrößten Befürchtungen betrachten können.

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Im Dunkeln über den leeren Markt laufen. Die Gerüche der Stände vom Tag hängen noch nach. Besonders jener vom Fischbrötchenwagen.

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#Die Böhms – Architektur einer Familie (2014)

Gottfried Böhm ist „der Boss“, Patriarch einer Architektendynastie. Doch mit dem Tod seiner Frau wackelt das familiäre Fundament.

Ein Film wie ein einziger Epilog, wie das letzte Kapitel der „Buddenbrooks“, wie der Roman, den Uwe Tellkamp niemals schreiben könnte. Trauerweiden im Wind, Schnee auf Holzklappstühlen, das langsame Schlurfen über Treppenstufen, das Surren eines Rasenmähers, Schiffe auf dem Rhein, ein Tischtennisspiel zwischen Greisen, grobkörnige Aufnahmen von Kindern, die in einen Pool springen, der Krieg, eine Marienfigur, die Musik von Anton Bruckner, Brüder im Konkurrenzkampf, eine Sterbende, die auf dem Totenbett ein Foto von sich als Baby betrachtet. Dazu ein steinalter Architekt, der graue Kohlezeichnungen von wabenförmigen Gotteshäusern und Theatern zeichnet und in jedes Bild nur eine Farbe setzt: eine Frau mit rotem Kleid, oftmals tanzend. Seine Frau.

Im allerbesten Sinne statisch, episch, erhebend.

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Ein Regisseur, auf- und überdreht, das Mikrofon so nah am Mund, schreit er hinein, dass nur Verzerrung durchkommt. Was durchkommt: die deutsche Botschaft in Tunis hat ihm das Visum verweigert. Gereist ist er dennoch. Im Frankfurt von Polizisten inhaftiert. Heute gegen alle Widerstände in Leipzig.

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#El Gort (Tunesien)

Anfang Zwanzig und keine Aussicht, jemals etwas anderes zu tun, als sauschwere Heuballen auf LKWs zu stapeln – Jungsein in Tunesien.

Um diese Zeit wollte ich mich nicht mehr unentwegt schreien lassen. So viel Zorn, so viel Ausweglosigkeit, so viel Verzweiflung.

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Defekt der Rolltreppe. Der Monteur erscheint und repariert. Der Blick wird frei auf das Skelett der Maschine, deren Funktionsweise sichtbar. Verstörender nur, würde man anstatt auf die Leinwand in den geöffneten Projektor schauen.

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#Desert Haze (Belgien)

Die Wüste lebt – schräge Typen, Geisterstädte, Atomwaffentest, Cowboys und Indianer – ein dokumentarischer Western.

Eine meditative Reise in eine lebensfeindliche Leere, die weder leer noch lebensfeindlich ist. Lauter Geschichten, tief in den Sand geschrieben, lauter Kerben, Furchen, Scharten, Rinnen und Kratzer, so lange sichtbar, bis der nächste Sandsturm eine weitere Schicht darüber legt. Ein Essay wie die flirrende Auslaufrille einer alten Vinylplatte.

Dazu die wichtigen Informationen, dass die aus vielen Filmen bekannten rollenden Büsche „Ruthenisches Salzkraut“ heißen und als invasive Art aus Russland nach Amerika eindrangen. Außerdem: John Wayne starb an Krebs, weil die Dreharbeiten zu seinem Film „The Conqueror“ in einem Atomwaffentestgebiet stattfanden. Ebenso wie die Hälfte des Filmteams.

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In einem Glaskasten sitzt die Simultandolmetscherin, ignoriert die Bilder auf der Leinwand, ist allein auf die Sprache konzentriert.

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#Maidan (Ukraine)

Schlachtrufe, Rauchbomben, Jubel, Trauer. Eine Folge unbewegter Einstellungen formt sich zur Chronik eines revolutionären Erwachens.

Verfolgt ein komplett anderes Konzept, Widerstand gegen einen autoritären Staat filmisch zu zeigen wie tags zuvor #The Term. Eine unbewegte Kamera, eine Einstellung, die viele Sekunde stehen bleibt und jeweils ausführlich eine Szene von den Ereignissen auf dem Maidan von Dezember 2013 – Februar 2014 zeigt. Jede Einstellung wie ein Wimmelbild. Dem Zuschauer bleibt es überlassen, sich aus der Vielzahl der Gesichter und Geschichten die zu suchen, die ihn interessieren.

Wird der Maidan anfangs noch als eine Art alternative Stadt gezeigt, die sich autark organisiert, bricht zunehmend Gewalt in den Protest. Aus der Kantine geht es auf die Barrikaden, anstatt heißen Tee tragen die Protestierenden bald Reifen in Feuer, die anfangs offenen Gesichter verstecken sich hinter Gasmasken.

Und die Kamera dazwischen als unerschütterliche Instanz, als unbestechlicher, unparteiischer Beobachter, der archiviert, was geschieht. Nur einmal nicht. Einmal schleudert die Armee Brandsätze in die Masse und jemand ruft „Jetzt schießen sie auf Journalisten“. Und plötzlich gerät die sonst so starre Kamera in Bewegung, dreht sich um 180 Grad und richtet sich nun auf die Soldaten hinter ihren Schutzschildern – ein Moment des Bruchs. Von nun an kann der Protest nicht mehr friedlich sein. Und die Kamera nicht mehr unparteiisch.

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Wie markiert man im Zeitplan des Programmhefts die Filme, die einen interessieren? Jeder entwickelt ein eigenes System: dicke Punkte, Zahlen, Sterne, Kreise, Unterstriche. Die besonders Genauen zeichnen Flussdiagramme mit Entscheidungsbäumen, um für jede Eventualität gewappnet zu sein.

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#Rules of the Game (Frankreich)

Drei Jugendliche versuchen, auf dem Arbeitsmarkt Fuß zu fassen, also Rollen einzuüben und zu funktionieren.

Die filmgewordene Systemtheorie: Auf der einen Seite Jugendliche, die sich ihre Individualität erhalten wollen. Auf der anderen Seite der Arbeitsmarkt, der fordert: Tragt Krawatten! Tragt eure CV selbstbewusst vor! Seid motiviert! Seid flexibel! Lasst eure größte Schwäche zu großer Ehrgeiz sein! Zwei unterschiedliche Systeme also, die sich aneinander reiben. Luhmann pur.

Und bei dieser Reibung geht es darum, die eigene Persönlichkeit zurückzunehmen. In den ersten Minuten schaut man dann auch milde lächelnd auf die sympathischen, aber eben auch tollpatschigen Welpen, die nicht wissen, wie das Spiel „Arbeitsmarkt“ gespielt wird. Dann wird einer von ihnen darauf hingewiesen, bei Vorstellungsgesprächen keine Sneakers zu tragen, woraufhin dieser zurückfragt, ob man denn anhand von Schuhmarken Arbeitsfähigkeit erkennen könnte. Und spätestens ab diesem Moment ist der Wunsch vorhanden, diese Protagnisten, die ja in erster Linie Menschen sind, würden niemals die Rollen, die sie ausfüllen müssten, um sich ins System zu fügen und Arbeit bekommen zu können, annehmen. Gewinnt später auch die Goldene Taube.

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Eine Hand hebt sich in Reihe L. Beflissen eilt eine Freiwillige herbei, reicht das Mikro an den Fragenden. Ein kurzes Husten ins Mikro. „I really liked the movie and I was wondering…“

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#National Diploma (DR Kongo)

Wer im Kongo die Schulgebühr nicht zahlen kann, fliegt. Ein paar Jugendliche organisieren ihre eigene Schule bis zur Abiprüfung.

Dieser Widerspruch: Mit großem finanziellen Aufwand wird im Kongo sichergestellt, dass die Abschlussprüfungen überall zur gleichen Zeit stattfinden können. Dafür reist sogar der Gouverneur an. Aber Geld, um für alle die Ausbildung bis zur Prüfung garantieren zu können, ist nicht da.

Davon erzählt dieser in sich ruhende Film. Wie Schüler während des Unterrichts aus dem Klassenzimmer geholt werden, weil sie ihre Gebühren nicht bezahlt haben. Wie diese Schüler dann gegen alle Widerstände ein Haus mieten, um sich dort selbst zu unterrichten. Wie sie gesagt bekommen, dass die Prüfungen im Kongo so angelegt wären, dass sie ohne zu schummeln nicht geschafft werden könnten. Wie die Schüler nun ihre Energie darauf verwenden, an die Prüfungsfragen zu kommen. Wie das der Standard ist.

Und anschließend der mit leiser, fester Stimme sprechende Regisseur, der erklärt, dass er sich freut, dass sein Film auf internationalen Festivals gezeigt wird, dieser aber hauptsächlich für sein Heimatland gedacht wäre, damit dort über die Bildungssituation diskutiert werden könnte.

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Halloween in Leipzig. Jede Menge Plüschkätzchenohren in Undercuts.

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www.dok-leipzig.de