Per introduzione, provo a dire che un romanzo grafico è un genere letterario che, avendo definito un universo, o almeno una visione del mondo nella quale l’azione si svolge, racconta una storia compiuta utilizzando il linguaggio del disegno insieme alla parola scritta.

Ne ho presi cinque, diversi in termini di stile, ambientazione, e genere; due di questi hanno avuto un successo planetario, uno è alla base della sceneggiatura di un film di successo, due di essi sono opere di culto fra gli amanti del fumetto, tutti e cinque sono capolavori assoluti.

Tamara Drewe, di Posy Simmonds.

L’autrice: cartoonist britannica nata il 9 agosto 1945.

Una satira feroce e discreta della middle class inglese, piena di umorismo, con una vena tragica e gioiosa che fa pensare per certi aspetti all’opera di Philip Roth; il tratto in bianco e nero è preciso e semplificato fino ad una pulizia che rende deliziosa la lettura; il disegno è naturale, ha l’aria di esser sempre stato così e di non poter essere altrimenti, un po’ come succede con le canzoni di Frank Sinatra, che ci sembra di poter cantare sotto la doccia.

La pratica della scrittura per chi è scrittore professionista, il conflitto interiore tra la giovinezza e la maturità, i rapporti sociali, il sesso il denaro sono i grandi temi del racconto, vengono introdotti dall’autrice con una tale facilità che nemmeno ci accorgiamo che siano stati abbordati.

Tamara Drewe è il racconto di un disastro umano-sociale raccontato con la leggerezza spigliata di una commedia: ma se il modo di raccontare rende buffo il soggetto, la sostanza resta tragica.

Maus, di Art Spiegelman.

La shoah e la ww2 nel racconto di Vladek Spiegelman, un ebreo polacco trapiantato in Germania e più tardi naturalizzato americano: la giovinezza prima della guerra poi gli anni delle leggi razziali di Norimberga, la persecuzione, la guerra, la fuga in Francia poi negli Stati Uniti. La testimonianza, raccolta dal figlio Art (l’autore, nato il 15 febbraio 1948 negli USA) è riportata con pudore e con dolorosa onestà; è un viaggio all’indietro nel tempo, complice un registratore a cassette – una sorta di psicopompo sempre presente negli incontri tra padre e figlio – raccontata facendo uso di un linguaggio grafico depurato di tutto, stilizzato all’estremo eppure realista: un bianco e nero splendido comparabile al magnifico tratto dell’Hugo Pratt di “Tango”. Nell’universo grafico di Maus gli ebrei sono topi, i tedeschi gatti, gli statunitensi sono alci, i francesi rane, i polacchi maiali, e il disegno è una sintesi straordinaria della “ligne claire” europea e del più classico fumetto nordamericano: Spiegelman é apparentato con Richard Corben, Robert Crumb (e Walt Disney) ma anche con Hergé, Andrea Pazienza e Massimo Mattioli.

L’inizio del secondo tomo, il meta-disegno del “narrare il vero” a partire da una testimonianza, l’evocazione della sconvolgente tragedia e della sconvolgente ingiustizia, l’impianto grafico intero, fanno di Maus un capolavoro della letteratura.

Pubblicato la prima volta nel 1991 è forse l’opera che più di ogni altra ha attratto l’attenzione del pubblico sul medium del fumetto come letteratura in quanto tale.

Elektra: assassin, sceneggiatura di Frank Miller e disegni di Bill Sienkievitz, 1986.

Gli autori:

FM, nato il 27 gennaio 1957, sceneggiatorie iperprolifico e disegnatore dotato di una inaudita potenza drammatica: suoi i testi ed i disegni del Batman di “the dark knight returns” (1986, Batman è anziano e Robin è una femmina) e la serie dei “Sin City”;

BS, nato il 3 maggio 1958 é un disegnatore americano capace di utilizzare i medium più diversi nei suoi fumetti, creatore di uno stile grafico ipercomplesso, iper-sofisticato che ha allargato l’orizzonte grafico al di là di tutti i limiti precedentemente attribuiti al fumetto.

Pubblicato in Italia capitolo per capitolo dalla rivista Corto Maltese con il titolo Elektra: assassin, il libro é un’avventura ultraviolenta che coinvolge la CIA, l’oriente dei ninja, una visione apocalittica del mondo della fine della guerra fredda; Elektra (il nome non è scelto a caso) è la personificazione della collera cieca, inarrestabile, al limite del mostruoso, nella bellezza quasi insopportabile del suo corpo e la forza bruta e la ferocia che la portano , nel suo scontro con l’agente Garrett, ad una resa dei conti col mondo… sullo sfondo il ritratto di una donna ed una visione della donna creatrice, forza immane ed irrazionale.

Un romanzo grafico innovatore ed antesignano di una visione del mondo in cui la politica è la maschera di un mostro inenarrabile; scritto e disegnato alla fine di un’epoca, nei riferimenti politici il libro può sembrare datato ad una prima lettura; mantiene però intatta la forza del pathos.

L’Incal, sceneggiatura di Alejandro Jodorovski e disegni di Moebius.

Gli autori: non si presentano neanche più.

Il libro, pubblicato dal 1981 sotto forma di episodi, è un opera fatta di molteplici livelli di lettura, fin dal titolo: “l’incal”, che nell’argot parigino, il verlan delle banlieues che anagramma le parole scambiando l’inizio e la fine, è la coccola, “le calin”; ma la storia che ci viene raccontata non è evocatrice di tenerezza, almeno non alla prima lettura.

L’Incal è l’opera che introduce l’universo fantascientifico di Alejandro Jodorovski, quello con le città costruite su decine di strati, in cui la spaccatura tra la natura e l’uomo è ormai definitiva, quello stesso che viene adottato in opere fondamentali del cinema recente (The fifth element, Luc Besson) e che ispira per buona parte l’immaginario collettivo del mondo ipertecnologico del futuro; in quel mondo il personaggio principale, John Difool, l’uomo più squallido, più egoista, più codardo, più odioso, più politicamente scorretto, più misogino, il più rozzo, volgare ed ignorante rappresentante della nostra specie, quello che più di ogni altro manca di eroismo e di grandezza (perfino nella disonestà è tiepido) diventa il centro della più grande avventura umana, quella della vita e della morte, dimostrando che chi non è grande in niente, lo è però in umanità.

L’incal rovescia la visione messianica e le semplificazioni del new age, senza colpo ferire, raccontando una storia.

In tutto questo la parola dell’inizio e della fine, quella che è fatta per non essere capita da nessuno, almeno non di primo acchito, è il “calin”, la carezza, la coccola, in altre parole, l’amore.

Un’opera immortale considerata da alcuni “la plus importante bande dessinée jamais pubbliée”, il fumetto più importante mai pubblicato.

In Italia fu pubblicato dall’indimenticabile rivista l’Eternauta quasi (dico “quasi”) in contemporanea con la pubblicazione in lingua Originale; i tomi sono sei: L’Incal noir, L’Incal Lumiére, “Ce qui est en bas”, “Ce qui est en haut”, “La cinquiéme essence – galaxie qui songe” e “La cinquiéme essence – la planéte Difool”.

Lost Girls, di Alan Moore (sceneggiatura) e Melinda Gebbie (disegni).

All’alba della prima guerra mondiale, un albergo perduto in una non meglio definita regione montana austriaca, tre donne, diverse l’una dall’altra per la loro storia, l’età, l’estrazione sociale, l’educazione e l’aspetto fisico, si incontrano, si legano d’amicizia e d’amore reciproci e cominciano a condividere racconti erotici; il luogo sarà rifugio e riparo, almeno per un tempo determinato, dal fragore dell’epoca.

Non si tratta di personaggi qualunque: sono Alice del “Paese delle meraviglie”, Wendy Darling di “Peter Pan” e Dorothy Parker di “The wizard of Oz”.

Siamo nel 1914, Alice è invecchiata, Wendy è sposata, Dorothy è una giovane statunitense disinibita; il loro racconto è quello di tre vite, della scoperta del sesso coi suoi corollari del potere e del controllo ma c’è anche la lettura sintomale di quelle opere di letteratura per bambini che alle nostre eroine hanno dato vita.

È una delizia: il ciclone che si porta via Dorothy e la scaraventa nel fantastico mondo di Oz è il suo primo orgasmo, l’isola che non c’è, il parco cittadino di fronte alla casa “middle class” londinese dei Darling, coi suoi sottoboschi e gli incontri proibiti che ci si possono fare, Alice è una lesbica con i capelli bianchi che la famiglia ha provato a rinchiudere in manicomio e che ha finito per distaccarsi dal mondo.

Una “perla” che potrebbe passare inosservata: l’uomo che Wendy ha sposato, un professionista barbuto mortalmente noioso é un omosessuale represso di nome Harold Potter, … “Harry Potter”, ma il libro é stato inizialmente pubblicato sotto forma di episodi nel 1991.

Troviamo in questo libro tre stili grafici diversi, uno per ognuna delle nostre protagoniste, ma più ancora che il linguaggio o la tecnica, il valore straordinario è quello di una grandissima libertà di pensiero che ci aiuta ad oltrepassare la morale e la repressione della società occidentale che si sciolgono nella testimonianza di ciò che l’erotismo e la psiche umana sono, in quanto tali, nella vita.

La visione della donna come ci viene proposta dall’estetica dominante della nostra epoca, appare in tutta la sua insufficienza; la bellezza delle donne, tali come sono, diventa il soggetto di un racconto affascinante.

Gli autori: Alan Moore, sceneggiatore britannico nato il 18 novembre 1953 è autore di alcuni fra i più celebri graphic novels, citiamo Watchmen e V for Vendetta fra gli altri, considerato da molti uno dei maggiori scrittori viventi.

Melinda Gebbie: disegnatrice americana nata ad agosto 1937.