Cerca de vinte esculturas estão sobre uma mesa no enorme e branquíssimo edifício da Bienal de São Paulo e diante delas está o artista espanhol Antonio Ballester Moreno. “Meu avô era floricultor e escultor amador. Teve quatro filhas e uma esposa, e todas as suas esculturas são de mulheres ou meninas”, explica com algum orgulho. “Sem nenhuma pretensão de retratá-las, mas como forma de representar o mais próximo. E, através dessa representação, viver a vida”, finaliza. O caminho que levou o avô de Ballester Moreno da estufa até ser uma das centenas de artistas que serão vistos a partir desta sexta-feira, 7, na Bienal de São Paulo, a maior da América Latina, não foi tão longo. Antonio é curador de uma das sete exposições que compõem esta edição, a 33ª, e viu que as esculturas se encaixam perfeitamente nas reflexões que queria fazer sobre o senso comum. “O básico me atrai, o próximo: isso é o importante, a modernidade do telúrico”, aprofunda, enquanto passeia em direção a sua nova obra, um círculo feito de centenas de cogumelos entre representações do sol, da chuva e das árvores. “O básico necessita de algo para crescer”, acrescenta. Nos dias que antecederam a inauguração, foi a mais aplaudida da mostra.

Na verdade, o longo caminho foi o que levou Antonio Ballester, um dos artistas de maior projeção na Espanha, a assumir pela primeira vez na vida o papel de curador e fazê-lo na Bienal brasileira. E como ele, seis outros artistas de todo o mundo. Esse caminho na realidade tem um nome: Gabriel Pérez-Barreiro, o galego responsável por esta edição, que agora mesmo está sentado num pequeno banco no mesmo e enorme edifício. Ele passou os últimos 17 meses organizando esta edição e as últimas duas horas explicando como fez isso. “Era preciso mudar a Bienal para que continuasse sendo relevante”, admite, em sua primeira pausa depois da longa entrevista coletiva em que detalhou para a imprensa de todo o mundo as muitas mudanças que fez no formato. “As pessoas têm de querer vir. A Bienal de Veneza, por exemplo, é feita para turistas, não para venezianos. Bem, Veneza quase já não tem venezianos na realidade. Mas isso tem de funcionar de outra maneira. Ser relevante para os artistas é um adicional, e aqui se cuida disso, mas é o momento de atrair as pessoas. A arte contemporânea já possui muitos mecanismos de autoexclusão.”

Essa lógica levou Pérez-Barreiro a mudar radicalmente a mostra com poucas decisões. A principal: abdicar do poder absoluto que a Bienal dá aos curadores nesses sete artistas, para que cada um deles crie sua própria exposição. Os sete artistas se dividem em um terço de brasileiros (Sofia Borges, Waltercio Caldas), outro de latino-americanos (Alejandro Cesáreo e Claudia Fontes) e outro de artistas de todo o mundo (Ballester Moreno, Mamma Anderson e Natasha Wura Ogunji). Juntamente com suas exposições, existe uma de Pérez-Barreiro. No total, 103 artistas e 600 obras. É a primeira vez em décadas que o formato da Bienal é alterado e o resultado foi a maior edição que se recorda.

É também a mais eclética. É possível ir da Escola de Vallekas (na exposição mais elogiada, a de Antonio Ballester), a performances que duram horas, a fotos de indígenas. É possível ver Lhola Amira, uma artista sul-africana que lava os pés daqueles que têm vínculos com índios ou escravos negros no que parece ser uma performance. “Não é nada disso”, nos repreende com severidade. “É uma aparição, que faz parte da tradição sul-africana de produção de conhecimento. Neste caso, procuramos a ferida original da terra em que estamos. No Brasil, a ferida não é escravidão, como muita gente nos diz, mas o genocídio indígena. Os ossos dos escravos estão enterrados sobre os ossos dos indígenas. E oferecemos a cura, lavando os pés.”

Das 600 obras, quase 200 estão na mesma exposição, A Infinita História das Coisas ou o Fim da Tragédia do Um, da brasileira Sofia Borges, de 34 anos, a mais jovem artista. É literalmente um passeio labiríntico através da morte, da vida, dos mitos e das transfigurações entre meias, entre fotos de máscaras gregas, fotos de um artista repintadas por outro e representações de mitos guaranis (“onde o número um é o mal e no dois, o guarani é ele e Deus ao mesmo tempo”, explica Borges com orgulho). Também inclui obras do Museu do Inconsciente, uma instituição com trabalhos dos pacientes de uma psiquiatra que na década de quarenta rejeitava a lobotomia e o eletrochoque e os fez pintar. “Passamos a vida procurando sentido mesmo sabendo que é impossível que nada o tenha. Queria contar uma tragédia e a contei”, vangloria-se Borges.

No entanto, Pérez-Barreiro insiste que o objetivo não é trazer obras para o pavilhão, mas pessoas que vejam a arte e especialmente a brasileira. “O mercado do Brasil é muito fechado”, lamenta. “Há muita arte, mas dentro de suas fronteiras. Não é mais a marginalização dos anos oitenta, mas ainda existem situações como quando um artista só se torna conhecido no exterior pela primeira vez quando tem uma cotação impossível. Agora, entre Adriana Varejão, Vik Muniz ou Beatriz Milhazes, há um enorme boom da arte brasileira no mundo, e isso é um novo paradigma.”