Al frente de su empresa Pentación Espectáculos, Jesús Cimarro (Ermua, Vizcaya, 1965) ha nutrido como pocos productores la escena española desde finales de los 80. Hace sólo dos años, por encargo del Gobierno de Extremadura, se hizo cargo del Festival de Teatro Clásico de Mérida y logró sacarlo a flote cuando la quiebra estaba cantada. Ayer, Cimarro impartió en el CAC una ponencia sobre su oficio dentro de las jornadas formativas europeas Onscene, que organiza en Málaga Euromedia.

-¿Cuál ha sido la clave para sanear un festival como el de Mérida en tan poco tiempo? Su información podría resultar útil a otros certámenes en crisis.

-Hay varias claves. Por una parte ha habido una administración sensible que se negaba a que el festival se cerrara, algo a lo que parecía abocado por su situación económica. Cuando asumí la dirección, el festival estaba en la ruina: las deudas superaban los 4,5 millones de euros y había varios pleitos abiertos. Desde el principio tenía claro que para salvar el festival había que combinar la producción propia y a la vez pensar en el público, que es lo único en lo que pienso cuando produzco espectáculos. Tocaba elegir textos y equipos artísticos para trabajar en un espacio tan singular como el Teatro Romano de Mérida, el más grande de España. No es lo mismo que producir para el Teatro Bellas Artes, por ejemplo. Los resultados están ahí: en 2012, cuando asumí la dirección del festival, la edición anterior había tenido 50.000 espectadores, mientras que este año hemos tenido más de 120.000. Insisto, hay que pensar en el público.

-Resulta apropiado que un productor piense en el público, pero ¿se ha producido mucho teatro en España de espaldas a él?

-Sí, claro que sí. El ejemplo palpable es el mismo Festival de Mérida, el más longevo del país y uno de los más veteranos de Europa, que terminó destruido. Y fue así por una mala gestión que había que corregir. Una vez corregida, el público ha vuelto a confiar en él.

-A pesar de la subida del IVA.

-Lo que le corresponde al teatro es el IVA reducido del 10%, el mismo del fútbol y el turismo, y no el que soporta actualmente de un 21%. ¿Cómo puede entenderse que el IVA aplicado a la pornografía esté al 4% y el del teatro al 21%?

-Algunos cálculos cifran en más de dos millones la pérdida de espectadores del teatro español a cuenta de la subida del IVA. Pero, ¿bastará una bajada al 10% para que ese público regrese? ¿No hará falta una pedagogía?

-La subida del IVA ha afectado al precio de las entradas, que ha habido que subir, pero más aún a las empresas que producen, que se han quedado sin recursos. Quitar de la taquilla el 21% es una auténtica locura, y las empresas ya no pueden producir nuevas propuestas. Fíjate en la cartelera madrileña, está toda llena de reposiciones. Producir teatro se ha convertido en algo muy caro, y más aún desde la iniciativa privada. Tampoco es de recibo que la entrada al Centro Dramático Nacional no tenga IVA y que la entrada a cualquier otro teatro tenga un IVA del 21%. Es una competencia desleal, sobre todo si lo comparamos con el entorno europeo. Las empresas francesas pagan un 2,1% de IVA, con lo que una empresa española tiene un 19% menos de recursos. Lo lógico es que el impuesto vuelva a la posición que ocupaba, la del IVA reducido, como sucede en otros sectores de la economía española. Mientras no ocurra eso, lo que tendremos será una destrucción del sector cultural paulatina. En dos años más, quedará tocado de muerte. Esto es lo que el Gobierno ha permitido, que un sector de la economía productiva se destruya. Es incomprensible. Yo formo parte de la Asociación de Empresarios de Espectáculos Europeos, y cada vez que explico la situación en España nadie da crédito. En España tampoco lo entendemos.

-¿Se trata de un castigo por una cuestión ideológica?

-Hay parte de eso, se está comprobando. Si no, no se entiende un ataque tan bestial. Imagínate lo que habría dicho el turismo si se le hubiese subido el IVA al 21%. ¿Qué habría dicho el fútbol?

-¿Prefiere un modelo americano, con menos intervención pública?

-Yo creo en lo público en su justa medida. Y creo en la iniciativa privada, que no es otra que la de la sociedad civil, por más que algunos se empeñen en desprestigiarla. Pero ante todo creo en la buena gestión, la haga el sector público o el privado. Y habría que funcionar con esta premisa. Cuando me contrataron en el Festival de Mérida para dirigirlo, les pedí que me renovaran el contrato cada año, porque si las cosas no salían bien lo que tenían que hacer era echarme. Yo no me voy a echar de mi propia empresa, ya lo hará la situación si lo hago mal. Pero si hablamos de la administración pública, resulta lógico que quien no lo hace bien se vaya. Hay que ser muy escrupulosos con eso. No se pueden hacer las cosas mal, hay que hacerlas bien. Cuando empecé a dirigir el festival algunos decían que se estaba privatizando, pero no es así: no ha dejado de ser una actividad pública, con una gestión privada pero con el mandato de lo que dice un patronato público. Llevo tres años entregando el superávit de la taquilla a la administración para que pague la deuda, una cantidad que en este tiempo asciende a 1,1 millones. Eso es gestionar.

-Pero en España se mantiene fresca la idea de que el teatro es necesariamente deficitario.

-Yo distingo entre tres conceptos: rentabilidad cultural, social y económica. E intento aplicar los tres en cada decisión. A veces se consigue, y a veces no. Si no logramos la rentabilidad económica, mal vamos, porque, por mucho dinero que tengamos de la administración, si lo que hacemos no es viable tendremos que cerrar. La administración no tiene el estigma de la rentabilidad, pero debería tenerlo, porque todo lo que pierde la administración pública lo pagamos todos. Son recursos que la iniciativa privada deja de tener. Por eso siempre digo que a la iniciativa pública le tiene que ir bien, porque así destinará menos recursos de los que tiene y podrá distribuirlos en la sociedad civil.

-En cuanto al problema de la distribución, con cada vez menos espectáculos en gira, ¿la culpa es también del IVA?

-Sí, el IVA tiene que ver, pero también habrá que preguntar a los directores de los teatros públicos qué quieren programar. A la hora de trabajar en mi empresa, siempre he tenido muy claro que antes de producir tengo que vender, porque si no vendo ¿qué hago yo con el producto? Por eso, cuando produzco lo hago pensando ya en la distribución. Cuando me siento con un creador, le transmito esto y le ayudo. Pero cuando empiezan los ensayos, yo ahí ya no me meto. El creador es libre para hacer lo que tenga que hacer. Luego, quince días antes del estreno, voy a ver el resultado y si me gusta, lo aplaudo; y si no me gusta, sugiero correcciones. Si se pueden introducir, bien; y si no, también.

-¿Alguna vez ha visto un espectáculo producido por usted quince días antes del estreno y se ha llevado las manos a la cabeza?

-Sí, y lo hemos corregido. Y no ha pasado nada. Las obras de teatro se hacen cada día.